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• passi
• Suggerimenti
• Avvertenze

Immagina: hai un'idea per il copione - a grande idea - e vuole trasformarla in una commedia o in un dramma narrativo. Come procedere? Potresti anche voler andare subito in redazione, ma il pezzo sarà molto meglio se è ben pianificato passo dopo passo. Fai una sessione di brainstorming e crea uno schema della struttura per segmentare e semplificare il processo.

passi

Parte 1 di 3: raccolta di idee

1. 

   Decidi che tipo di storia vuoi raccontare. Sebbene ogni storia sia diversa, la maggior parte delle commedie rientra in categorie che aiutano il pubblico a comprendere e interpretare le relazioni e gli eventi che si svolgono nel testo. Pensa ai personaggi che vuoi interpretare e al modo in cui si svolgeranno le loro storie. Essi:
   • Devi risolvere un mistero?
   • Vivete una serie di situazioni delicate per crescere come persone?
   • Smettono di essere ingenui e acquisiscono esperienza di vita?
   • Affrontano un viaggio pericoloso, come Odisseo in ’L'odissea?
   • Mettono ordine nelle cose?
   • Superano vari ostacoli nel perseguimento di un obiettivo?

2. 

   
   
   Fai un brainstorming sulle parti fondamentali dell'arco narrativo. L'arco narrativo è la progressione del brano dall'inizio alla metà e alla fine. I termini tecnici di queste tre parti sono "esposizione", "azione crescente" e "risoluzione", sempre in quest'ordine. Indipendentemente dalla lunghezza o dal numero di atti nell'opera, l'autore mai devi sviluppare questi tre elementi. Organizza come esplorerai ciascuno di essi prima di scrivere il testo finale.

3. 

   
   
   Decidi cosa vuoi includere nella mostra. La mostra dà inizio allo spettacolo, portando le informazioni di base della trama: dove e quando si svolge la storia? Chi è il protagonista? Chi sono i personaggi secondari, compreso l'antagonista (la persona che causa il conflitto centrale)? Qual è il conflitto centrale dei personaggi? Qual è il genere teatrale (commedia, dramma, tragedia, ecc.)?

4. 

   
   
   Trasforma l'esposizione in un'azione crescente. Nella crescente azione, le situazioni che i personaggi affrontano diventano sempre più complicate. Il conflitto centrale è l'elemento principale e aiuta a rendere il pubblico sempre più teso. Questo conflitto può avvenire con un altro personaggio (l'antagonista), con una condizione esterna (guerra, povertà, separazione dalla persona amata) o con il protagonista stesso (dover superare le insicurezze, per esempio). L'azione crescente porta al culmine della storia: il momento più teso, quando il conflitto si trova in una situazione critica.

5. 

   Decidi come si risolverà il conflitto. La risoluzione pone fine alla tensione del conflitto culminante e termina così l'arco narrativo. Puoi pensare a un lieto fine (in cui il personaggio principale ottiene ciò che vuole), tragico (in cui il lettore impara qualcosa dal fallimento del protagonista) o un scioglimento (in cui viene data risposta a tutte le domande).

6. 

   Comprendi la differenza tra trama e storia. La narrazione dell'opera è composta dalla "trama" e dalla "storia", due elementi distinti che vengono sviluppati insieme per catturare l'attenzione del pubblico. Il romanziere britannico E. M. Forster ha definito la "storia" come ciò che accade nell'opera in ordine cronologico. La "trama", a sua volta, è la logica che collega gli eventi che accadono nel gioco, rendendoli emotivamente impattanti. Un esempio della differenza:
   • Storia: la ragazza del protagonista ha rotto con lui. Poi ha perso il lavoro.
   • Trama: la ragazza del protagonista ha rotto con lui. Inconsolabile, ha avuto un esaurimento emotivo al lavoro ed è stato licenziato.
   • Devi sviluppare una storia che sia interessante e aiuti a dispiegare il pezzo a un ritmo che catturi l'attenzione del pubblico, mentre mostra come sono collegati in modo casuale. È così che il pubblico inizia a preoccuparsi dei personaggi e degli eventi.

7. 

   Sviluppa la storia. Non puoi approfondire la risonanza emotiva della trama senza che la storia sia interessante. Pensa agli elementi di base del pezzo prima di iniziare a scriverlo. A tale scopo, rispondere alle seguenti domande:
   • Dove la storia ha luogo?
   • Chi è il protagonista (personaggio principale) e quali sono i personaggi secondari importanti?
   • Qual è il conflitto centrale di questi personaggi nell'opera?
   • Qual è l '"incidente iniziale" che dà inizio all'azione dello spettacolo e porta al conflitto centrale?
   • Cosa succede ai personaggi durante il conflitto?
   • Come viene risolto il conflitto alla fine del gioco? Come influisce sui personaggi?

8. 

   Sviluppa la trama per approfondire la storia. Ricorda che la trama aiuta a sviluppare la relazione tra tutti gli elementi della storia (elencati nel passaggio precedente). Quando ci pensi, prova a rispondere alle seguenti domande:
   • Qual è il rapporto tra i personaggi?
   • Come interagiscono i personaggi con il conflitto centrale? Quali sono i più colpiti? Piace?
   • Come puoi strutturare la storia (gli eventi) per far interagire i personaggi giusti con il conflitto centrale?
   • Qual è la progressione logica e casuale da un evento all'altro - e quella che aiuta a costruire un flusso continuo verso l'apice e la risoluzione?

Parte 2 di 3: pensare alla struttura del pezzo

1. 

   Inizia con una commedia in un atto se non hai esperienza. Prima di scrivere la commedia, devi avere un'idea di come vuoi strutturarla. L'opera in un atto non ha intervalli ed è quindi ideale per i drammaturghi alle prime armi. Un esempio di un gioco in un atto è Rafameia o Boi-de-Fogo, di Gilvan de Brito. Sebbene questa sia la struttura più semplice, ricorda che ogni storia ha bisogno di un arco narrativo con esposizione, azione e risoluzione crescenti.
   • Poiché le commedie in un atto non hanno intervallo, gli scenari, i vestiti degli attori e altri aspetti tecnici sono più semplici.

2. 

   Non limitare la durata del tuo gioco in un atto. Questa struttura non ha nulla a che fare con la durata dello spettacolo. I brani possono avere durate variabili: alcuni durano dieci minuti, mentre altri durano un'ora.
   • Alcuni brani in un atto durano da pochi secondi a dieci minuti. Sono eccellenti per presentazioni scolastiche e simili, nonché per concorsi per quel formato specifico.

3. 

   Scrivi un'opera in due atti per creare una storia più complessa. Questa è la struttura più comune nel teatro contemporaneo. Sebbene non esista una regola specifica per quanto riguarda la lunghezza dei brani, in generale ogni atto dura circa mezz'ora, con un intervallo intermedio. Durante questo intervallo, il pubblico può andare in bagno o rilassarsi, pensare a cosa è successo e discutere il conflitto mostrato nella prima parte. Nel frattempo, la squadra aggiusta le scene, i vestiti e il trucco degli attori. Ogni pausa dura circa 15 minuti. Tenerne conto durante la scrittura.
   • Il lavoro Un rubino nell'ombelico, di Ferreira Gullar, è un esempio di commedia in due atti.

4. 

   Adatta la trama alla struttura in due atti. Con questa struttura, il team di assemblaggio delle parti ha più tempo per apportare modifiche tecniche. Dato che lo spettacolo ha una pausa, non è possibile dare alla storia una narrazione così fluida. Strutturalo tenendo presente questo intervallo per rendere il pubblico teso e ansioso per ciò che viene dopo il primo atto, immediatamente nell'azione crescente.
   • L'incidente principale deve avvenire a metà del primo atto, dopo la contestualizzazione e l'esposizione.
   • Dopo l'incidente principale, scrivi diverse scene che rendono il pubblico teso, drammatico, tragico o comico. Devono portare a un conflitto che pone fine al primo atto.
   • Termina il primo atto subito dopo il punto più teso della storia. Il pubblico sarà ansioso per la fine della pausa e l'inizio del secondo atto.
   • Inizia il secondo atto con meno tensione rispetto alla fine del primo atto. Pertanto, il pubblico non si spaventerà o sentirà il tonfo.
   • Scrivi diverse scene nel secondo atto che aumentano la tensione nel conflitto che porta al culmine (il Di Più teso), poco prima della fine del brano.
   • Scrivi l'azione di caduta e la risoluzione in modo da non terminare bruscamente il pezzo. Non tutte le commedie hanno bisogno di un lieto fine, ma il pubblico deve sentire la tensione accumulata sugli atti che vengono pubblicati.

5. 

   Usa la struttura in tre atti per trame più lunghe e complesse. Se sei inesperto, è meglio iniziare con una commedia in uno o due atti, poiché quelli con tre atti sono più lunghi. Ci vuole più esperienza per allestire una produzione che affascini il pubblico per circa due ore. Tuttavia, se la storia che intendi raccontare è più complessa, potrebbe essere meglio scrivere i tre atti. Proprio come quando ce ne sono due, la squadra di montaggio ha più tempo per adattare lo scenario, i vestiti, ecc. negli intervalli. Segui questo modello:
   • Il primo atto è la mostra: introdurre gradualmente i personaggi e le informazioni rilevanti. Convinci il pubblico a creare affetto per il protagonista e per la situazione in cui si trova, in modo che ci sia una reazione emotiva quando le cose iniziano ad andare storte. Questo atto deve anche presentare il problema che svilupperai nel resto del pezzo.
   • Il secondo atto è la complicazione: la situazione diventa più rischiosa e tesa per il protagonista, mentre il problema è anche più complicato. Puoi, ad esempio, rivelare informazioni importanti vicino al climax. Questa rivelazione deve lasciare il protagonista ondeggiante, finché non avrà la forza di risolvere tutto. La fine del secondo atto è senza speranza, con i piani del personaggio centrale in rovina.
   • Il terzo atto è la risoluzione: il protagonista supera gli ostacoli dell'atto precedente e trova un modo per arrivare alla conclusione dell'opera. Ricorda che non tutte le commedie hanno un lieto fine; l'eroe può morire, per esempio. L'importante è che il pubblico impari qualcosa dall'esperienza.
   • Il lavoro Aranhol, di José Sizenando, è un esempio di un'opera teatrale in tre atti.

Parte 3 di 3: scrivere la commedia

1. 

   Disegna gli atti e le scene. Nelle prime due sezioni di questo articolo, hai raccolto idee di base per l'arco narrativo, la storia, la trama e la struttura. Ora, prima di iniziare a scrivere il pezzo stesso, metti tutti questi elementi su carta in dettaglio.
   • Quando presenterai i personaggi importanti?
   • Quante scene diverse includerai? E cosa succede esattamente in ognuno?
   • Scrivi gli eventi pensando sempre alla progressione che danno alla trama.
   • Quando la squadra deve cambiare lo scenario? I vestiti? Pensa a questi elementi tecnici quando pianifichi la parte in modo più dettagliato.

2. 

   Sviluppa ulteriormente lo schema per scrivere il pezzo. Inizia con i dialoghi più elementari, senza pensare se sono naturali o come gli attori interpreteranno i personaggi. In quel primo schema, devi solo preoccuparti delle parti più generali.

3. 

   Crea dialoghi naturali. Dai agli attori una sceneggiatura ben costruita in modo che interpretino le battute in modo umano, reale ed emotivo. Registra te stesso leggendo i dialoghi ad alta voce, quindi ascolta l'audio. Presta attenzione alle parti che suonano robotiche o mollicce. Ricorda che anche quando si tratta di un pezzo letterario, i personaggi devono comunque suonare naturali. Ad esempio, non cercare di farti imparare quando il protagonista si lamenta di qualcosa al lavoro oa cena.

4. 

   Scrivi conversazioni tangenziali. Tutti divagano un po 'quando parlano con amici e conoscenti. Anche se devi pensare alla progressione dei conflitti nel gioco, c'è ancora spazio per le distrazioni, il che rende il testo più realistico. Ad esempio, quando il protagonista parla con qualcuno della fine di una relazione, puoi includere due o tre righe in cui l'altra persona chiede quanto è durata la relazione.

5. 

   Includere interruzioni nei dialoghi. Anche quando non vogliono essere scortesi, le persone si interrompono continuamente, anche per fare interiezioni positive, come "Capisco" o "Hai ragione". Le persone addirittura interrompono loro stessi: "Io - guarda, non mi dispiace dargli un passaggio sabato - ma sono molto impegnato con il lavoro in questi giorni".
   • Non aver paura di usare frammenti di frasi. Per quanto questa pratica non sia ben considerata in certi tipi di testo, è ancora comune nelle conversazioni quotidiane. Ad esempio: "Odio i cani. Tutti loro".

6. 

   Includere istruzioni per il team. Pertanto, gli attori e gli altri agenti coinvolti nella produzione capiranno la tua visione della commedia. Usa caratteri corsivi o parentesi quadre per fornire queste linee guida senza confonderle con le finestre di dialogo. Gli attori useranno la propria licenza creativa per interpretare le battute, ma tu puoi dare una direzione più generale:
   • Linee guida per la conversazione :.
   • Azioni fisiche: e.
   • Stati emotivi:, ecc.

7. 

   Riscrivi la bozza della parte tante volte quanto necessario. Il tuo pezzo non sarà perfetto subito. Anche gli scrittori esperti devono rileggere il testo più volte prima che il risultato sia soddisfacente. Prenditi il ​​tuo tempo! Con ogni nuovo look, aggiungi più dettagli per aiutare a realizzare il lavoro.
   • Anche quando aggiungi ulteriori dettagli, ricorda che il tasto "Canc" può tornare molto utile. Pensala in questo modo: puoi persino trovare qualcosa di buono prendendo ciò che è cattivo. Rimuovi tutti i dialoghi e gli eventi che non hanno alcun peso emotivo.
   • In generale, gli esperti raccomandano agli autori di tagliare le parti che il pubblico salterebbe se leggesse il pezzo.

Suggerimenti

• La maggior parte degli spettacoli è ambientata in tempi e luoghi specifici. Sii coerente. Ad esempio: un personaggio che vive negli anni '30 può fare una telefonata o usare un telegrafo, ma non guardare la televisione.
• Consulta i riferimenti alla fine di questo articolo (in inglese) per imparare a seguire il formato corretto delle commedie.
• Improvvisare ogni volta che è necessario. A volte, i discorsi spontanei sono anche migliori di quelli originali!
• Leggi la sceneggiatura ad alta voce a un piccolo pubblico. I giochi sono basati sulle parole - e il potere o la mancanza di essi è evidente quando c'è questo test.
• Non tenere la parte per te. Prova a pubblicizzarlo per dimostrare che stai scrivendo!
• Scrivi diverse bozze, anche se sei soddisfatto della prima.

Avvertenze

• Il mondo del teatro è pieno di idee, ma devi dare alla storia un trattamento originale. Rubare il lavoro altrui non è solo plagio, ma un crimine che viene quasi sempre smascherato.
• Proteggi il tuo lavoro. Includi il tuo nome e l'anno in cui hai scritto il pezzo sulla copertina, seguito dal simbolo del copyright.
• Non scoraggiarti quando il tuo pezzo viene rifiutato. Se non sei accettato una volta, provane un altro (anche se devi scrivere un pezzo diverso).